XXXXXXXXXXXXXX, exporevue, magazine, art vivant et actualité

Installé depuis 2012 en cœur de ville, le centre d'art contemporain de Dreux, l'ar[T]senal, s'est donné pour mission le soutien et la diffusion de la création contemporaine en arts visuels et la transmission de celle-ci auprès de tous les publics. Il propose, gratuitement, deux expositions collectives temporaires par an, l'une dédiée à un support de création (cette année, et pour la troisième fois depuis son ouverture, l'art textile), l'autre à "art & société". Les modalités de sensibilisation tout public sont bien entendu adaptées à chaque exposition : cet été, les visiteurs ont croisé des enfants sur le parvis en pleine production textile et des tricoteuses intégrées dans l'installation de 400 m2 de laine jacquard, produite à Clamart, au rez-de-chaussée. Autour de "Manifestations artistiques", qui interroge les effets de la crise, les propositions varient selon l'âge des participants, résidences, performances en collaboration avec le Conservatoire danse, work shops, rencontres avec les artistes et ateliers dédiés.

Cette exposition s'inscrit dans la visée régionale à valoriser le potentiel artistique local – ici dans le cadre du festival ar(T]chipel –, chaque département ayant reçu une sélection d’œuvres grâce au partenariat avec le Centre Pompidou, suite à la signature d'une convention pluriannuelle entre la région Centre-Val de Loire et le musée parisien. S'il est déjà habituel pour l'ar[T]senal d'accrocher ensemble aux cimaises des artistes célèbres ou moins célèbres, internationaux ou plus locaux, vivants ou disparus, les noms de Marina Abramović, Duane Hanson, General Idea et Joseph Beuys ouvrent des interactions fertiles.

Le hall questionne immédiatement la position du "regardeur" avec les travaux de Brigitte Zieger. Ses sculptures d'un blanc immaculé sont en fait très dérangeantes. Après un court moment d'hésitation, on finit par reconnaître un distributeur de billets, dont la déformation, la sensation qu'il a été arraché nous renvoient aux dégradations en marge de certaines manifestations. Elaboré à partir d'une imprimante 3D, cet automate symbolique dont on perçoit l'intégralité mise à nu est tagué, en relief et ton sur ton, d'un slogan féministe : "Nos désirs sont désordre". Brigitte Zieger, à la carrière internationale, a ici combiné deux types de protestation, à partir d'images. Sur les lambeaux qui se dressent à la suite, empreintes de chaussées, lieux des déambulations contestataires, elle en inscrit d'autres, "Refuse / resist / rebel / revolt /", sauvegardant des graffiti qui témoignent de femmes en résistance. Pour nous interpeller sur les failles et les injustices générées par un système dominant-dominé qui régit le récit de l’Histoire et le fonctionnement des sociétés actuelles, elle utilise aussi la vidéo, une autre façon d'approfondir comment notre conscience est modelée par l'iconographie. Projetée aux dimensions d'un mur de salon (les déséquilibres extérieurs rentrant dans l'espace qui se veut tranquille et embelli de nos intérieurs), une vidéo en boucle, Bewildered, enchaine des paysages exotiques choisis comme sujets des papiers peints panoramiques proposés à une clientèle aisée au XIXe siècle par une manufacture française, en les transformant en défilés muets. A l'encontre de leur dessinateur allemand Johan Moritz Rugendas, dont le souci était de rendre compte d'une nature et d'une population brésiliennes dans son altérité, ces lithographies reprises ont été retouchées pour l'édition, centrées sur la faune et la flore et effaçant les représentations humaines, notamment d'esclaves noirs liés au colonialisme. Dans ses Wallpapers animés, Brigitte Zieger leur redonne une présence, sous la forme de banderoles qui affichent des revendications politiques dans une opposition décalée, nous incitant à une relecture sociale, politique et historique des images. Au premier étage, la vidéo d'une performance de Joseph Beuys lui fait écho. Sur un téléviseur d'époque fabriqué à Dreux – don de Philips France, qui avait racheté l'entreprise La Radiotechnique, spécialisée dans la fabrication des tubes cathodiques, puis dans l'assemblage des postes avant de fermer l'usine –, un film de 26 minutes, de 1972, titré Ausfegen (Balayage) rend compte de la façon dont l'artiste investit sa conception de l'art comme intrinsèquement lié aux dissensions sociales, politiques et écologiques. Le 1er mai, sur la place Karl-Marx, à Berlin-Ouest, une fois le défilé terminé, lui et deux de ses étudiants sont filmés, balayant et ramassant dans des sacs siglés O.D.D. (Organisation pour la Démocratie Directe, mouvement politique fondé par Beuys) les déchets laissés par le cortège. Si ces traces disparues d'un rituel politique associé au mouvement ouvrier ont ensuite été transportées dans la galerie René Block, puis exposées avec le balai dans une vitrine, le sens de cette performance interroge une réalité oubliée : manifester, c'est bien, mais qui nettoie ensuite l'espace public ? Des travailleurs émigrés, mal payés, mal défendus par les syndicats. La vidéo donne à voir que les deux étudiants de Beuys ne sont pas d'origine allemande et incite le spectateur à considérer le capitalisme dans tous ses effets.

Ce sont d'autres travailleurs qui occupent la salle suivante. Cette installation de 12 000 figurines de 6 cm chacune, en plastique bleu, évoque d'abord les soldats vert kaki, jouets des petits garçons en apprentissage de stratège. Or il s'agit ici d'ouvriers, désignés déjà par la couleur, dont les formes sont étudiées selon trois postures différentes et dont Florent Lamouroux a ôté l'outil de travail. Grâce à un scanner 3D de son corps et de son visage, le caractère anonyme et souvent mal dégrossi de ces figurines prend un aspect plus réaliste, qui rentre en contradiction avec la multitude des clones, et l'ambiguïté de leurs gestes. Car comment interpréter ces bras levés sans les outils dans les mains ? ce mouvement de foule, dont le titre, pourtant, est explicite : Le sens de la vie, les ouvriers ? Or, qu’est-ce qu’un travailleur sans outil ? En quoi le sens de nos vies est-il toujours lié à notre métier, au point qu'à la question "Que faites-vous ?", la première réponse est de donner sa profession, qui confine à notre identité. Que devient donc le sens de la vie quand on est chômeur ? C'est avec une autre approche que Ségolène Thuillart entreprend de répondre à la question Alors, vous faites quoi dans la vie ? 12 casquettes brodées inscrivent les 12 fonctions qu'elle a occupées au cours d'une année, une série intitulée La tête de l'emploi, et dont la plupart ne renvoie à aucune reconnaissance dans le monde du travail ni de Pôle emploi. La casquette Poète se trouve légitimée par les réponses savoureuses à un questionnaire d'auto-évaluation ou un abécédaire administratif listant les bons mots à apprendre tous les jours. Sur le mur, au dessus de la casquette chômeur, le néon rose fluo bascule l'obtention d'un CDI dans l'imaginaire d'un paradis inaccessible.

Dans l'abécédaire de Ségolène Thuillart, le RSA désigne le Revenu Social de l'Artiste. C'est bien dans cette optique commune de sa place dans la société, autant que du rôle des images comme média et matière à la fois qu'on peut circuler à travers tout le bâtiment et apprécier les divers partis pris. Anne-Lise Voisin, avec son installation Après nous la fin du monde, rend compte, en fragments – dessins et phrases –, des récits de vie de résident.e.s d'un Ephad, sur un territoire remanié par l'implantation d'une centrale nucléaire. Elle en fait l'arrière-plan de cartes postales selfies et de clichés encadrés posés comme les photos de famille sur une cheminée à l'ancienne, dans une série, Tourisme nucléaire, qui inscrit avec une fausse légèreté l'impact territorial autant qu'individuel d'un tel voisinage. Marie Dubois partage avec nous la sidération qu'elle a éprouvée, à 7 ans, devant les images du 11 septembre. Travaillant depuis à partir de collectes d'images de presse, elle inscrit son installation Breakfast in America dans un dispositif minimal et efficace : un plafonnier-projecteur, simple, blanc, lisse, au dessus d'une table tout autant simple, blanche et lisse, mais dont le plateau horizontal sert d'écran à une vidéo en boucle courte qui diffuse des images d'amateur de l'attaque, à son début, du Wall Trade Center, au format d'un tabloïd. Nulle chaise pour s'asseoir, et il reste au visiteur qui veut regarder à rester debout devant, tête inclinée, comme face à une pierre tombale, avec ses souvenirs de ce jour-là. L'estampe de Duane Hanson sur le même mur accentue le grinçant du propos : un couple de Tourists, bermuda, appareil photo, lunettes de soleil et corps enlaidis par l'âge, ridiculisés par leurs vêtements, semble regarder vers le haut un spectacle hors champ qui leur laisse un sourire béat et un peu mou. La crise, dans son acmé, est aussi spectaculairement dessinée par François Xavier Chanioux : deux grands formats, The Blaze 2, The Blaze 3, traités au fusain, à la pierre noire, avec des rehauts de blanc donnent à voir la violence urbaine, ce qu'on devine de véhicules en proie aux flammes, à la fois rendues dans leur force destructrice et mises à distance par l'utilisation du noir et blanc. Il a choisi la sculpture pour évoquer une autre violence, Blast, celle de l'explosion d'Hiroshima qui a laissé en ombre sur un mur le fantôme d'une échelle. La sienne se tient debout, noire et figée comme après la torsion d'un brasier. Tout autant figés, quatre corps d'homme, dans quatre positions différentes, moulés sur leur sculpteur Florent Lamouroux, tentent de s'extraire d'une enveloppe qui les emprisonne et luttent pour leur Déconditionnement, non sans évoquer les platres de Pompéi immobilisés dans leurs vaines tentatives d'échapper au feu des cendres. Il est également question de vivant et de mort, de naturel et d'artificiel chez Jonathan Bablon, dont les installations associant branches d'arbre mortes, mais couvertes de mousse hydratée par des perfusions, et fruits hybrides en céramique, Branche Enchantée, Fruits prétendus, nous renvoient au malaise environnemental de notre impact.

Retour au point de départ : s'asseoir pour regarder une Anthologie de performances, entre 1975 et 1980, de Marina Abramović. Rester les 170 minutes pour la quête du respect, le féminisme inventif. Et repartir les yeux grands ouverts.